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Quello di Bobby McFerrin un “mondo vocale umano” da esplorare e ascoltare attentamente.
Quando parlo del “mondo vocale umano” di Bobby McFerrin, non sto usando una metafora a caso: ascoltarlo per me è davvero come entrare in un paesaggio sonoro abitato da voci, emozioni, immagini e storie non dette. Ogni nota, ogni suono, ogni silenzio sembra avere un corpo, una temperatura, una forma.
Non è solo musica: è un luogo in cui la voce torna a essere gesto, impulso, gioco.
Per me Bobby è un mito, ma non nel senso dell’icona irraggiungibile messa su un piedistallo.
È un cantore di suoni, quasi uno sciamano della voce, qualcuno che mi ricorda quanto il canto possa essere libero, giocoso, profondo, imperfetto e allo stesso tempo perfettamente autentico. Ogni volta che lo ascolto, dentro di me risuona una domanda semplice e potentissima: “E se la voce potesse fare anche questo?”.
Quello che mi affascina è il suo modo di riportare la voce a uno stato primario, quasi pre-linguistico. Prima delle parole, prima delle etichette di genere musicale, c’è il suono: la vibrazione, il respiro, il ritmo del corpo.
In questo senso, il suo “mondo vocale umano” è un invito all’ascolto attento, non solo a livello musicale, ma a livello di presenza: ascoltare lui diventa, per me, una pratica di consapevolezza.
Perché (io) ascolto Bobby McFerrin
Ascoltare Bobby McFerrin ha ribaltato il mio modo di pensare il rapporto tra voce e suono. Prima di incontrare davvero il suo canto, la voce per me era soprattutto melodia che si appoggia su un accompagnamento, un “sopra” che si muoveva su un “sotto” armonico e ritmico. Con lui ho iniziato a percepire la voce come ambiente, come orchestra, come paesaggio a sé stante.
La sua voce non è solo linea melodica: è percussione, è basso, è armonia suggerita, è rumore, è respiro condiviso con il pubblico. Questo per me ha avuto un impatto enorme, sia come cantante sia come docente.
Mi ha fatto capire che la voce può occupare molti più ruoli di quelli che tradizionalmente le attribuiamo, e che è possibile insegnare canto non solo come “intonazione + tecnica”, ma come esplorazione di funzioni e identità sonore diverse.
Un’evoluzione micro-sistemica dello stile.
Dal suo primo album omonimo “Bobby McFerrin”, uscito nel 1982, fino ai lavori più recenti, il suo stile non è mai rimasto fermo. Non parlo di rivoluzioni improvvise o di cambiamenti di genere per seguire le mode, ma di una continua evoluzione micro-sistemica: piccoli spostamenti, scoperte, raffinamenti che, nel tempo, hanno ridisegnato profondamente il suo modo di cantare.
Quello che percepisco nella sua musica è una ricerca costante, quasi artigianale, su cosa può diventare la voce quando smettiamo di incasellarla in un solo stile. Bobby non si limita a “fare bene” un linguaggio: lo attraversa, lo piega, lo oltrepassa. È come se dicesse continuamente: “Ok, questo l’abbiamo imparato. E adesso? Cos’altro possiamo scoprire con la voce?”.
Neolinguaggio, rischio e gioco
Uno degli aspetti che più mi colpisce in Bobby McFerrin è il suo neolinguaggio personale: fonemi inventati, sillabe, risate, esclamazioni, click, sospiri, rumori che in un altro contesto considereremmo “extra-musicali”.
In lui tutto diventa materiale musicale. Non c’è una separazione netta tra suono “nobile” e suono “strano”: se vibra, se comunica, se si intreccia con il momento, è benvenuto.
Questo implica una grande disponibilità al rischio. Lontano da una improvvisazione “conservatoriale”, codificata, corretta ma spesso prevedibile, Bobby si muove in un territorio dove non tutto è sotto controllo, dove il gioco, l’errore, l’imprevisto diventano parte integrante del processo creativo.
Come insegnante, questa attitudine mi ispira profondamente: quando propongo ai compagni di viaggio sonoro di ascoltarlo, è proprio per mostrare loro che improvvisare non significa solo usare un vocabolario tecnico, ma anche accettare il rischio di esporsi, di lasciare che la voce faccia cose nuove davanti agli altri.
I miei tre album del cuore di Bobby McFerrin
Nella mia collezione “mcferriana” ho praticamente tutte le sue incisioni, ma se dovessi scegliere tre porte d’accesso al suo mondo vocale, sceglierei senza dubbio queste.
1. Spontaneous Inventions
“Spontaneous Inventions” è il disco che, più di tutti, mi ha aperto la porta del suo universo. È stato il mio primo vero incontro con Bobby McFerrin, quello in cui ho capito che con la voce si potevano fare cose che non avevo mai neanche immaginato. Il carattere live dell’album si sente subito: c’è il pubblico, c’è l’energia del momento, c’è quell’imprevedibilità che solo l’improvvisazione dal vivo può dare.
In questo disco vedo una vera e propria “masterclass” di presenza scenica e ascolto. Bobby dialoga con chi lo ascolta, gioca, si prende dei rischi, cambia direzione all’ultimo secondo. Per un cantante, è una scuola di coraggio: impari che non devi avere tutto scritto e previsto, che puoi fidarti del tuo orecchio, del tuo corpo e del tuo istinto musicale.
Per chi insegna, è un esempio concreto di come l’improvvisazione possa essere strutturata e allo stesso tempo libera, profonda ma mai pesante, virtuosa ma sempre comunicativa.
2. Circlesongs
“Circlesongs” è, per me, un tempio del canto circolare. Qui il lavoro sui pattern vocali, sulle cellule ripetute e sulle sovrapposizioni di voci diventa un vero e proprio laboratorio sonoro. Ascoltando questo album, puoi quasi “vedere” il cerchio: voci che entrano, si intrecciano, sostengono, contrastano, si trasformano nel tempo.
Per chi pratica circle singing, improvvisazione corale o percorsi di canto collettivo, “Circlesongs” è una fonte infinita di ispirazione. Ogni brano mostra un modo diverso di costruire e sviluppare un’idea: a volte il cerchio è meditativo e ipnotico, altre volte è ritmico ed energico, altre ancora è quasi narrativo, come se le voci raccontassero una storia senza parole.
Personalmente, lo sento molto vicino al mio modo di intendere il canto circolare: non come esercizio “new age” generico, ma come pratica precisa, dinamica, in cui ascolto, leadership, followership e creatività collettiva si incontrano.
3. Bang! Zoom!
“Bang! Zoom!” è un album che amo consigliare a chi vuole sentire come la voce di Bobby McFerrin dialoghi con una band jazz fusion di altissimo livello, in questo caso i Yellowjackets.
Qui non siamo più solo nel mondo della voce solista “one man orchestra”: siamo nel pieno di un interplay raffinato tra vocalità e strumentazione complessa.
Quello che mi colpisce di questo disco è la naturalezza con cui la sua voce si inserisce nella trama ritmica e armonica tipica della fusion: mai sopra, mai sotto, sempre dentro.
Per chi lavora con gruppi, band, ensemble o anche semplicemente con basi strumentali articolate, questo album è un ottimo esempio di come la voce possa essere sia strumento solista sia parte integrante del tessuto musicale.
“Bang! Zoom!” è anche un bellissimo promemoria del fatto che la sperimentazione vocale non è un mondo a parte, ma può dialogare benissimo con linguaggi strumentali sofisticati, senza perdere la propria identità.
Viaggiare nel suo mondo: il documentario Bravo Profile
Una delle cose belle del nostro tempo è avere a disposizione tantissimo materiale di approfondimento che, quando ho iniziato ad ascoltare Bobby McFerrin, semplicemente non esisteva o era difficile da trovare. Tra queste risorse, c’è un documentario che considero davvero prezioso per entrare nel suo mondo da un’altra prospettiva: il profilo prodotto dal Bravo Channel, suddiviso in tre puntate di circa 15 minuti.
In questo documentario emergono non solo il musicista, ma l’essere umano: aneddoti di vita, momenti di backstage, riflessioni sulla spiritualità della musica, sul rapporto con il pubblico, sul senso dell’improvvisazione. Guardarlo è un po’ come sedersi a bordo palco o in camerino e ascoltarlo raccontare la sua storia in modo intimo e diretto.
Se sei pronto a viaggiare davvero nei suoni di Bobby, ti consiglio di prenderti un’oretta di tempo, metterti comodo, magari con un taccuino vicino, e guardare le tre parti come se fossero una piccola masterclass privata. Sono tre porte d’ingresso diverse sul suo modo di pensare la musica, la voce e la vita artistica.
Bobby McFerrin, scat e improvvisazione vocale
Se ti interessa lo scat e l’improvvisazione vocale in chiave jazzistica, Bobby McFerrin è una tappa quasi obbligata, ma non nel senso più tradizionale del termine. Da una parte c’è la storia dello scat “classico”, con le sue sillabe, i suoi fraseggi, il dialogo stretto con il linguaggio strumentale del jazz. Dall’altra c’è Bobby che prende quella tradizione, la metabolizza e la porta in territori completamente nuovi.
Nel suo modo di improvvisare riconosci radici jazz, certo, ma anche influenze che arrivano da tradizioni orali, world music, folk, musica colta e una ricerca timbrica molto personale. Non si limita a “fare scat”: gioca con il confine tra parola e non-parola, tra canto e parlato, tra suono e rumore artistico.
Per chi studia improvvisazione vocale, mettere a confronto lo scat tradizionale con l’universo di McFerrin è un esercizio potentissimo. Da un lato impari il linguaggio, dall’altro impari a superarlo. Da una parte c’è la grammatica, dall’altra c’è la poesia personale. In questo senso, Bobby è un ponte perfetto tra studio strutturato e libertà creativa.
Cosa può insegnarci oggi la voce di Bobby McFerrin
Per me, la voce di Bobby McFerrin è ancora oggi una grande maestra. Come artista, mi ricorda continuamente che la voce è uno strumento infinito, capace di reinventarsi continuamente se le permettiamo di uscire dagli schemi.
Come docente, mi invita a creare spazi sicuri in cui le persone possano sperimentare, sbagliare, giocare, rischiare, senza paura di “non essere abbastanza musicali”.
A chi lo scopre oggi per la prima volta, direi questo: ascolta Bobby McFerrin con curiosità, senza aspettarti “solo belle canzoni”.
Ascoltalo come ascolteresti un racconto, un rito, un gioco, una ricerca.
Lascia che il suo mondo vocale umano ti sorprenda, e magari ti spinga a esplorare un po’ di più anche il tuo.
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