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Definición de canto clásico y canto moderno
El uso común identifica dos grandes áreas de competencia en la metodología para enseñar el canto y la transmisión de habilidades vocales: canto clásico y canto moderno.
En la primera área de competencia, la del canto clásico, la canción operística se atribuye comúnmente, que a su vez se refiere tradicionalmente a dos metodologías principales: el Belcanto histórico, declinó recitar el canto y en la canción florida y la ICO virtuosa; Y la estocada, el padre de la conslatate Verista y la canción italiana italiana llamada ".
El teatro musical y, tradicionalmente, el crossover también fija esta área.
La segunda área, la que se identifica genéricamente como una canción moderna, incluye una variedad múltiple de vocidad y estilos: pop, jazz, soul, rock, metal, solo para mencionar los principales.
Canto clásico y canto moderno: ¿técnicas o estilos?
Si por técnica vocal nos referimos a "el conjunto de conocimiento histórico, estilístico, fisiológico, mecánico y metodológico que permite la reproducibilidad de un sonido dado en cualquier momento", obviamente después de la calefacción, está claro que ambas áreas de competencia pueden fluir fácilmente Esta definición de técnica vocal, y que ninguno de los dos es una técnica en sí misma, pero ambos son una elección de habilidades para el beneficio de uno o más estilos.
De hecho, un artista nunca confunde la técnica con los estilos.
Dominio El primero con facilidad para poder enfrentar tantos segundos como sea posible, seleccionando qué habilidades, entre las de la técnica vocal, necesitan una ejecución vocal perfecta que juste al lenguaje, el período de composición y el área geográfica de La canción actuó.
¿Cuál es la verdadera diferencia entre el canto clásico y el canto moderno?
La epifanía del yo. Cada una de las dos grandes áreas de influencia manifiesta un método diferente para administrar la relación entre el ejecutor y el mensaje transmitido.
Canto clásico, esa es la canción teatral
Los estilos que caen dentro de esta área de competencia contemplan la necesidad absoluta de convertirse en cualquier otra cosa de sí misma, al organizar no al albacea, sino al personaje que el intérprete tiene la carga y el honor de encarnar y traer a la escena.
El personaje existe independientemente del albacea, existió y dudó antes y después de su interpretación, y tiene características vocales de timbre y estilístico preciso proveniente del lenguaje, el período y el área geográfica de nacimiento.
Los intérpretes de un personaje pueden ser miles, y nadie más que otros, excepto muy pocos casos excepcionales, deja una impronta indeleble que elimina al personaje de la partitura, una fuente verdadera y única de sus características vocales y emocionales.
Canto moderno, esa es la canción no teatral
En el caso opuesto, para los estilos que caen bajo este gran sombrero, la interpretación establece que el albacea es lo más posible, y como tal se manifiesta al público que quiere ver, escuchar y amar al intérprete en el esplendor de su ego;
Al público también le encantan las características vocales de su ídolo, incluso las imperfecciones, que se convierten en una figura estilística y una marca reconocible; Todo esto también se aplica cuando el artista en cuestión es una estrella de rock/pop; La creación de un alter ego, por lo que puede ser "teatral", todavía tiene la necesidad de ser lo más posible.
¿Cuántos grandes intérpretes ha tenido Violetta de la Traviata di G.verdi en los últimos 170 años? Cientos, si no miles, aunque la interpretación histórica de Maria Callas definitivamente está fuera de la competencia.
Por el contrario, ¿quién es el mejor intérprete de las canciones de Vasco Rossi?
Solo él y él mismo; Imagine la decepción de setenta mil espectadores abarrotados en las gradas de San Siro si otro intérprete se encuentra en lugar de la estrella de rock. Surrealista.
Por lo tanto, la canción teatral funciona en habilidades objetivas y codificadas;
La canción no teatral los sorprende.
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