En este artículo tenemos la oportunidad de enfrentar el punto de vista de una gran referencia musical, guitarra, compositiva y vocal de la música italiana y más allá; Tuve la oportunidad de recolectar en esta entrevista la experiencia preciosa e interesante de Finaz : guitarrista y nueva voz del Bandabardò y muchos otros proyectos y colaboraciones del alcance internacional.
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Elisa Pezzuto:
En primer lugar, ¡gracias por su tiempo y su gran disponibilidad! Me gustaría comenzar desde su experiencia de vida en términos musicales, que es muy interesante, amplio y lleno de actividades diferentes. Por ejemplo, junto con su nota y su larga carrera de guitarra, ha tenido numerosas experiencias como autor y en el campo vocal en el contexto de proyectos nacionales e internacionales; ¿Puede hablar con nosotros sobre su experiencia y su visión con respecto a las solicitudes, dificultades y diferencias que puede haber en una actividad performativa vinculada a estos diversos contextos?
Tuve la suerte de trabajar en muchos contextos musicales, cruzando períodos históricos muy diferentes. Crecí en los años 70, pero con el ojo dirigido a lo que había sucedido en años anteriores (he sido un superfan que tengo memoria). Adolescente en los años 80 y profesional desde los años 90.
De agua pasó bajo los puentes y vive todos estos cambios ciertamente mi idea de música y, sobre todo, hacer música. Ser guitarrista, compositor y productor hace veinte o treinta años ciertamente no era lo mismo que hoy. Las cosas que se solicitaron en ese momento no son exactamente las mismas que hoy.
música underground (la verdadera, no la Indy , como lo llaman hoy, no tiene nada independiente!) Donde había un circuito abierto nacional e internacional. Pude colaborar y compartir experiencias con artistas de todo el mundo: había una comunidad musical abierta y contaminada.
La dificultad de la época era que ... si no sabías cantar, si no sabías cómo jugar y no tenías una propuesta que saliera de todo lo demás, no tenías razón para existir o continuar. Hoy las solicitudes están todas al contrario: si sabe cómo cantar muy bien, no establezca el autone y luego "pierda" ese sonido que hoy domina y que todas las producciones exitosas están aprobadas.
¡Es decir, mejor si Stoni! Si entonces "no te pareces" algo que ya existe, no tienes ninguna razón para serlo. Perdón por la franqueza, pero eso es así. Now I do not want to draw an apocalyptic picture, also because both in my activity with Bandabardò, both as a university teacher of West-Scotland University, and as guitarist for other musicians, and as a role of frontman singer who broke out in my hands lately, I noticed that even among the youngest, if we can make them "meet" with a performance (I point out that today the big live with super tickets ¡caros para el 80% están todos en reproducciones!), Se las arreglan para someterse a la magia del artista que usa la voz, la herramienta, la actuación en su totalidad como algo superior. Puede comprender el asombro y preguntarme eso también los capta un poco sin preparación.
Por lo tanto, responder a la pregunta, la dificultad de abordar los diversos contextos de instrumentalidad, vocalidad, escritura y producción hoy es precisamente saber cómo comprender la diferencia de hacer música "a lo antiguo" y saber cómo mediarla con el cambio de gusto del mundo contemporáneo. Sin embargo, todo esto sin distorsionar cuál es su "mensaje": para mí, lo esencial siempre ha sido dejar escapar lo que tengo que decir si sueno, canciones , etc. La expresión de la personalidad siempre ha sido mi pelota.
Además, porque la siguiente moda requiere que desaparezca tan pronto como esa moda desaparezca. Siguiendo su inspiración, su visión del mundo nunca pasará de moda, porque cada uno de nosotros es único e irrepetible, por lo tanto, no es serial, por lo tanto, no es "de moda".
Recientemente te llamaste para interpretar un nuevo papel en el proyecto Bandabardò; Esta nueva apariencia vocal, en una dimensión en la que históricamente tenías una expresión instrumental, ¿qué reflexiones te llevaron a abrir? ¿Qué requiere en términos expresivos, comunicativos y de composición? En la relación con el público, ¿qué sientes que puede haber cambiado? En tu vida, ¿qué te lleva a investigar?
Esta nueva perspectiva abre nuevos escenarios que nunca hubiera pensado enfrentar, especialmente a mi edad, ahora. Y esto es, de hecho, muy estimulante. Siempre he cantado en todos los proyectos en los que participé. Pero casi siempre como una voz de acompañamiento , donde se requería una voz neutral en profundidad, decisiva y sobre todo, para mezclar bien con el elemento principal. Así que fue con la voz de Erriquez, Gazzè, Pelù, Paola Turci y con todos los innumerables artistas con los que tuve la alegría de trabajar.
Pero cuando vienes "promovido" a la primera voz, las cosas cambian. El rumor se convierte en la herramienta principal para identificar un proyecto, con el cual comunicar un texto, transmitir un mensaje ... aquí lo que dije en la respuesta anterior. La originalidad, la personalidad, el reconocimiento del sonido de un instrumento o una voz o el sonido en su totalidad, es lo que considero fundamental. Encontrar la "voz" de uno en este sentido no es fácil, pero sin embargo creo que es el nodo focal de hacer arte en el verdadero sentido del término.
La composición obviamente va en consecuencia. Escribir para la voz de Erriquez, o dolcenera, etc. requiere la capacidad de comprender el potencial expresivo y la personalidad del artista con el que tiene que interactuar. Escribir para usted impone una investigación más profunda e introspectiva. ¿Quién soy yo? ¿Qué quiero decirle a mi audiencia? ¿Cuáles son los recursos técnicos y artísticos que puedo usar para que la canción pueda despertar interés usando mi voz? Esto especialmente si eres un curioso como yo, siempre buscando nuevas formas de expresión, de fusión entre el intento antiguo y nuevo de generar algo que, sin embargo, sigue siendo "tuyo".
Además, la escritura también tiene que ver con su madurez, con su edad. Como Vasco no escribe más sobre habilidades y vidas imprudentes, incluso para mí, para mi generación, hablar de conciencia civil, responsabilidad social y política, etc., debe asumir un tono más "apropiado" a las experiencias experimentadas en los tiempos modernos. Mezcle todo para obtener un elemento creíble, no simplemente nostálgico o ingenuo o fuera de tiempo y, por lo tanto, indescifrable.
¿Cómo definirías la herramienta de voz desde el punto de vista del músico y el compositor?
Es la herramienta más importante. Como dije antes, es el vehículo el que representa la "cara" del proyecto, ya sea una banda , un solista u otro. Incluso lo más difícil de manejar, en todos los sentidos. Es una herramienta delicada. No todos los días siempre estás en el mismo estándar , hay dolencias estacionales, riucedina, reflujo, hipo ... miles de perdedores que pueden socavar tu actuación en vivo y en el estudio. Es una herramienta delicada en el sentido de que es la herramienta con múltiples tonos en el mundo. Puede interpretar la misma sílaba en un infinito de diferentes maneras.
Con una herramienta puede tener muchos matices , muchos tonos, pero la voz le permite infinizar. Esta es una bendición, por un lado, porque su creatividad y expresividad alcanzan niveles increíbles, pero a menudo incluso demasiadas opciones crea vergüenza y, a veces, incluso el peligro de elegir la ruta interpretativa incorrecta. Comprender cómo interpretar mejor una canción es extremadamente exigente y difícil.
¿Puede contarnos sobre las diferencias que percibe en el trabajo del intérprete vocal y en el trabajo del cantante -donciter?
Cantar canciones de otras personas (en el caso de una portada , por ejemplo), es un desafío interesante. En primer lugar, si has elegido cantarlo es porque es una canción que amas. Entonces te gusta lo que estás haciendo. El desafío radica en hacer la interpretación de usted y al mismo tiempo respetar las intenciones del autor. Pero está expuesto al juicio evidentemente: la versión "oficial" siempre está lista para desmontarlo. Si se trata de una canción inédita, el desafío es menos agotador porque en cualquier caso no tiene piedras de comparación, por lo que puede seguir a su musa.
En el caso de las canciones que escribiste, la paranoia son mil ... mientras lo cantan en el estudio, en la canción ya terminada, cambias continuamente ... Ejecute que se graben nuevamente de las partes ... trate de mejorarlo hasta el último ... e incluso cuando se publique, tendrías que quejarte ... esta imagen alucinante es solo el resultado del cuidado maníaco que pongo en mis producciones. Después de todo, las canciones son como niños, por lo tanto, ¿cómo no cuidarlas y seguirlas hasta que se nos dé la posibilidad? Luego se convierten en adultos y vivirán de su propia vida, incluso si desea continuar poniendo boca e interferente 😉 😉 😉 😉 😉 😉 😉
¿Qué sugerencias te sentirías como dar a los que quieren dedicarse al trabajo del músico, del intérprete hoy? En resumen, a una carrera musical que puede ser de valor?
No puedo evitar repetir lo que anticipé en la primera respuesta. Ser un artista significa vivir Bifronte: conocer y mirar el pasado porque los grandes maestros tienen todo para enseñar; Al mismo tiempo, mire el futuro para comprender cómo crear algo original, personal. Soy un gran defensor del estudio: el estudio no solo significa una técnica de crecimiento, sino también crecer la vida. Si quieres decir algo original, debes convertirte en una persona original, con tu propia forma de ver las cosas, y luego decirles.
Ser artistas significa saber cómo decirle al presente de una manera nunca banal y aprobada. Me hacen reír los textos que usan las de moda , que están de moda en este momento, me parece una actitud infantil y laccaculo. De André también pasó semanas eligiendo una palabra. El poder de la palabra, de su sonido, del espacio sagrado que se abre, de la reflexión, de la emoción ... nada es comparable. El universo parece haberse creado con el sonido de una palabra: piense en el om o el verbo del evangelio de San Giovanni.
Como lo dices, mientras lo cantas, cómo lo entiendes ... creamos universos, continuamente. ¿Por qué aplanar todo con un lenguaje de supermercado, como de computadora , o incluso cancelar su sonido con un enchufe en el que se agrega fuera de control y le quita la profundidad a la voz?
Siempre me viene a la mente la canción Soul of Vasco cuando canta "Todas esas cosas que nos unieron" ... Hay ese choque de descontento que vale la pena la canción casi: en ese momento sientes que las agallas se vuelven hacia ti de la belleza de la imperfección. Brillante al haber dejado esa interpretación, él sabe verdad, sabe de vida. Piense en el fuera de sintonía en el puente de la rareza espacial de Bowie. Hoy habríamos agregado todo con Pro Tools ... qué triste.
Ahora no soy completamente contrario al autotune , puede ser un buen medio técnico para expresar algo, pero si todos lo usan continuamente de una manera exagerada ... ¿puedes percibir la diferencia entre un artista y otro? ¿Puedes percibir cuánta profundidad, las dimensiones que se pierden en la expresividad, en el sonido? Espero que lo que se ha dicho no sea solo el estallido de un caballero de mediana edad que (según el cliché) repite el mantra que en su tiempo era mejor y ahora lo apesta todo.
Simplemente me gustaría invitar a la reflexión de que hay múltiples planes en el mundo del arte y que relegarte a uno solo sin explorar el resto es castrante y estúpido (además de quitar el verdadero sabor de la vida). Varios estudios muestran que la música esculpa nuestro cerebro (lea el libro cómo la música esculpa nuestro cerebro de Isabelle Peretz), es la única forma de arte que crea nuevas conexiones neuronales. Si la estimulación está homologizada, la conexión se está homologando, si la estimulación es multifactiva, por lo que nuestro cerebro funcionará y se organizará de manera brillante y original.
La conclusión es que tienes que trabajar en ti mismo, estar con antenas abiertas, buscar y amar toda la música, desde el canto gregoriano hasta la música concreta, pasando por el blues, el rock and pop, la trampa, etc. Sir Paul McCartney, en el apogeo de su carrera con los Beatles, se enfrentó a los Beach Boys y Rolling Stones (su coeval), pero asistió a Luciano Berio y Stockhausen, para abrir su forma de expresión y aprender nuevos idiomas. Lo mismo también hizo el maestro de battiato con el que tuve el honor de trabajar. Dos ejemplos de artistas que han dejado una marca indeleble en energía, arte, plenitud de mensaje ... inmortalidad de música.
Encontrar su voz (instrumental, vocal, composicional) requiere esfuerzo, sacrificio y, sobre todo, nunca se rinde al espíritu comercial que desde la satisfacción inmediata pero no duradera con el tiempo, no la consistencia ...
Sabes que se escribió en el Templo del Oráculo de Delphi. La mayor enseñanza, o, al menos, una de las más importantes. Es una empresa Titanic, pero vale la pena.
Gracias nuevamente por estas reflexiones estimulantes y por haber compartido su experiencia de performación profunda y larga tan amplia y heterogénea con nosotros.
